《摄影美学》在线教程

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第一章，美与美学

第一节，美学

一，美学的产生

人类史前时期对美的理解与思考主要是对与自己日常生活密切相关的各种事物的审美判断与审美体悟，并将其抽象化，定型化，使之成为一个地区，一个文化群落在某个特定时期里共同的审美风尚。这种审美风尚有时又反过来成为一种文明的标志，一种文化的特质。例如古希腊的裸体雕塑，古埃及的神祇造像，中国古代陶器的造型与纹饰，都强烈地体现着地中海古文明，尼罗河古文明，黄河长江古文明的特殊审美倾向，并成为这些文明与其他文明相互区别的重要标志。

在公元前4世纪，美学作为一门学术进入了人类精神世界的领域。

人类最初的美学探讨，主要集中在两个领域，即哲学领域和艺术领域。
从哲学角度对美学进行研究，将美神圣化，理想化，思辨化。
从艺术实践出发对美进行研究，将美实践化，具体化，物质化。
经过数千年的发展与演变，到现在美学的这两个领域已经融为一体，形成了庞大的体系。

二，美学的研究对象与研究方法

现代美学的研究对象是自然，社会，艺术领域中一切与美相关的问题，美的概念含义丰富，可以从不同角度理解，也可以从不同层面解释，美学的研究方向和研究领域也因研究对象的不同而呈现出十分复杂的体系。

第二节，西方美学思想

一，西方古典美学

西方美学的萌芽产生于古希腊，代表人物有利克列特，柏拉图，亚里士多德

二，西方中世纪美学

基督教占据精神和世俗统治地位这段时期被称为中世纪。西方美学思想在中世纪就是基督教神学美学，其代表人物主要是两位神学家奥古斯都和托马斯·阿奎那。

三，西方近现代美学

自16世纪开始，以彼特拉克和卜伽丘为代表的意大利人文主义思潮冲破基督教神学美学的桎梏，开启了西方近代美学的先河。17世纪是西方近代美学思想重大的转折时期，代表人物是笛卡儿和培根。18世纪法国启蒙主义美学，伏尔泰是代表人物。18世纪中期，德国哲学家鲍姆加登首次将西方世界数千年来关于美的思想归为一体，提出“美学”概念，建立自己的美学体系，自此美学才作为一门独立的人文学科从哲学母体中脱胎而出。18世纪中后期进入“狂飙时代”，代表人物有歌德，席勒，康德，黑格尔，叔本华，尼采，柏格森，克罗齐，弗洛伊德。

四，西方后现代美学

后现代美学由现象学美学开始，经存在主义美学，结构主义美学发展到解构主义美学为其顶峰，持续到20世纪末。代表人物有胡塞尔，海德格尔，萨特，列维。斯特劳斯和巴尔特，福柯和德里达。

第三节，中国美学思想

西方美学基本上是一种分析美学，而中国美学则是一种和合美学。

一，先秦美学思想

《周易》的美学精神是五千年中华审美的根本源泉。《周易》的美学思想，融于其宏大的世界观体系之中，并与人生观结合为一体，提倡积极，健康，奋争不息的人生之美。

二，秦汉至明清美学思想

“天人合一”是儒家学说的合理延伸和精神内聚，在美学上它导致了儒道精神事实上的融合，成为中华美学的根本精神。
魏晋玄学兴起，彻底割断了美学的人伦脐带，把美学带进了艺术审美的新领域。
唐宋至元的美学思想“意境”说，在中国美学史上有重大影响。
明清时期的美学思想，一方面继承唐宋主流，另一方面与民间蓬勃兴起的俗文化相适应，变得更加世俗化和感性化。

三，近现代美学思想

中国近现代美学思想可以说是中国固有美学思想与西方美学思想大融会的成果。代表人物有王国维，宗白华，朱光潜，李泽厚等

第四节，马克思主义美学观

马克思主义的美学观是马克思主义哲学在美学上的运用因此马克思主义美学观总体上属于哲学美学，但由于马克思主义哲学突出的实践性质，马克思主义美学观又是一种实践美学。

一，关于美的本质

马克思主义认为，美是人的本质力量的对象化，是人类社会实践的产物。

二，关于美感，审美及艺术美

马克思主义美学观认为，美，美感，审美趣味，不但具有社会性，而且是历史的产物。每一个时代都会形成自己的审美规范，而人类全部的审美活动是与人类社会生活的演变互为表里的。

第二章，摄影美学基本原理

第一节，摄影美学的源流与发展

一，摄影美学的产生

法国人达盖尔于1839年出版的《银版摄影术与透视画的演进实录》，堪称是摄影史上最早的美学探讨。
在19世纪50,60年代，英国摄影家罗宾逊的《摄影的画意效果》《照片的构图方法》，则进一步归纳了摄影画意美学的形式美感与技术规范。
1889年，爱默森发表《自然主义摄影》。这部在摄影美学思想史上具有划时代意义的作品，彻底摒弃了摄影作为“第二绘画”的美学观念，强烈主张摄影是一门独立的艺术，且是科学与艺术融合为一体的特殊艺术。爱默森是摄影美学理论体系的真正开创者。

二，摄影美学的发展

使摄影美学观念由边缘意识逐渐进入主流意识的开端是19世纪末美国摄影家斯蒂格里茨，斯泰肯，斯特兰格对现代摄影的开拓。他们共同开创的摄影“即时”，现场”，“直接”与“纯粹”观念，成为摄影与绘画的客观分野，也成为摄影美学的一面旗帜。

20世纪30年代，美国摄影家爱德华·韦斯顿和安塞尔·亚当斯以自己的实践和杰出作品，证实了“摄影视觉”的客观存在，并发展了系统的摄影视觉理论，包括区级系统理论。摄影美学实现了“科学与艺术”的真正结合。

第二次世界大战前后，摄影美学彻底主流化，这一时期摄影的“瞬间”审美观念和“现场纪实”美学，作为指导拍摄行动的实践美学，造就了一批堪称巨人的纪实摄影大师，如尤金·史密斯，罗伯特·卡帕，卡蒂埃·布列松等。这种美学体系以卡蒂埃·布列松于1952年出版的《决定性瞬间》得以最终确立，并成为大众主流意识的重要组成部分。

战后摄影美学以“双轨”形式向前发展，摄影美学一方面以“决定瞬间”美学为核心，发展自己的纪实美学，另一方面再次与绘画艺术联手，拓展自己的视觉美学。现代主义摄影，后现代主义摄影的种种尝试，不再是绘画的忠实追随者和“助手”,相反，它甚至比绘画更易接受新的审美倾向和美学思潮，不少情况下成为整个现代艺术的先驱。抽象摄影就早于抽象绘画，而超现实摄影的成就和影响也不亚于超现实绘画。到了20世纪末，摄影美学又与影视美学，网络美学相互渗透，成为当代美学精神的标志和象征。

第二节，摄影的本质与特性

一，摄影的本质

自摄影术诞生以来，有许多不同的说法。归纳起来，在一个半世纪时间内，先后或同时兴起的关于摄影本质的说法大体有四种，即“技术说”，“艺术说”，“媒介说”，“信息说”。

“技术说”,兴起于19世纪40年代，“技术说”只阐发了摄影的一个共性，即与其他基于机械手段的工艺的共同之处，而没有看到摄影本质上的特性。
“艺术说”,兴起于19世纪60年代，从本质上讲，摄影仍然属于一种实用技术，广义的摄影更多地应用于实用领域，而不是艺术领域。将摄影根本属性界定于”艺术”,是有偏颇的。
“媒介说”,流行于20世纪70年代之后。照片绝不是科学技术实验室中记载科学试验过程的数据卡，它从本质上是属人的，是人的创造力的一种反映。
“信息说”,兴起于20世纪末，全用“信息说”规定摄影本性，审美问题将无地可容，这与实际发生的客观情形是不相容的。

摄影的根本属性到底是什么呢?
应当认为，摄影是一种以科学技术为依据，以保留视觉信息为目的，通过平面造型发挥创造力的新型文化形态。
这一界定包括以下要素：
其一，随着摄影技术的极大提高与普及，数码摄影的突飞猛进，网络传播的普及，影像文化形态，正像历史上的语音文化形态，文字文化形态一样，变成一种最具应用性，最具普及性也最具创造性的“第三文化形态”
其二，摄影的根本构成是保留视觉信息的科学技术。
其三，摄影的成品是照片，而照片不仅是现场光学信息的记录，也包含人类视觉的感官感应，以及人类心智，情感对画面信息的整理，增添和改变。
从本质上说，摄影活动是一种技术活动与艺术活动密切交融的活动，而根据追求的不同，这两种成分的比例会有很大的变化。

二，摄影的特性

从摄影诞生160多年以来的发展历史看，应不外乎以下三个基本特性：
1，视感性；任何技术都不可能彻底告别理性，摄影作为一门技艺也是如此，但摄影的美学源泉，却并不能靠理性，它必须完全依赖于照片的视觉观感。
2，现实性；摄影的本性说到底不是“真实”而是“现实”，这二者有根本的不同。摄影是否真实，决不是先天命定的，而完全取决于操作过程。而且，照片即使是纪实的，也很难与“真理”画上等号。相反现实是一个断片的体验性的表述。它的哲学意味在于“现”即照片是“即时”拍摄，反映了当时片刻的现状。在时间程序中，任何现实都会转化为历史，摄影也不例外。照片一旦拍好，完成拍摄过程，它就在一分一秒地转化为历史，而且是直观可感的历史。所以，摄影的现实性，又正是摄影作品历史性的由来。好的照片，从来都有强烈的现实美，同时也会有超越的历史美。
3，创造性；摄影虽然是一种科学技术产物，摄影操作也须遵循一整套科学规范，但它与其他技术活动不同，它可以充分地涵容和发挥人的创造性。

第三节，摄影美的本质与特性

一，摄影美的本质

严格地讲，摄影美的形成直接地导源于三种美，即自然美，社会美，艺术美，是一种综合美。

二，摄影美的特性

摄影的美，是一种历史痕迹十分鲜明的美。在长达160余年的发展中，摄影美不断发展，变化，充实，丰富，并逐步形成了自己的鲜明的和基本的特性，这些特性归纳起来有如下四方面：
1，技术美：摄影是一种高科技含量的，以机械电子媒介为手段的创作活动。技术美是介于自然美和艺术美中间的一种独特的美。摄影科技的每一项进展几乎都会丰富提高摄影美。照片的最终技术美感，还要取决于人的技艺。
2，形象美：摄影创作的目的物是照片，而创作的对象是客观存在的人，事物或社会现象。这些人，事物和社会现象通过摄影表现在照片上，就形成视觉形象。离开形象，摄影将失去最终的依托。所以，摄影美从本质上说是一种形象美。
3，平面美：摄影成品照片是一种固定的独立的平面媒体。
4，瞬间美：摄影不是绝对的平面艺术，而是有时间介入的特殊平面艺术。摄影艺术实际上也是时间艺术。

第四节，摄影美学的基本范畴

摄影美学已有一个半世纪的历史，尽管其间各种观点，理论，体系互不相同，但作为摄影美学研究的共同话语，形成了一些最基本的范畴。这些基本范畴主要有摄影图像，摄影视觉，摄影时空，摄影审美，摄影艺术等。

一，摄影图像

摄影图像可以有技术，审美和文化这三层含义。在技术层面，是现场光的直接记录：在审美层面，是审美活动的结果和新的审美活动的对象；在文化层面，是一种新的现代文化形态的载体。

二，摄影视觉

摄影由于其技术的进步，已不再是人类视觉的单纯再现，事实上它能够有效地拓展人类视觉的感应范围。
首先，在视觉的物理范围上，可以看得更宽，看得更远，看得场面更加宏大，看得更细微，更精确。
其次，在视觉的接受反应上，摄影可以借助曝光时间的控制，看清以前无法分辨的极短时间变化，看到时间历程很长的变化。
再次，利用现代传播技术，可以使人的视觉在空间上无限延伸。

当年，法国著名作家乔治·桑曾说过：“艺术家所抱的最大希望，便是引导有眼睛的人自己去看。”然而，乔治·桑这一愿望在摄影术发明之前，几乎是无法真正实现的。人的直接视觉，受到时间，空间，生理因素，社会因素种种制约，正因为这种制约和限制，人类才发明语言，文字乃至文学，艺术种种形式加以补充。使人的视觉在某些方面，某种程度上得以摆脱种种局限，但这种摆脱多数构建于虚幻的想象和虚构的对象之上，无法真正使视觉超越自己，而摄影术的发明与完善，彻底实现了乔治·桑的愿望。

从艺术的角度看，照相机创造了与人类直接目视不完全相同的美感，也是摄影视觉的重要内容。美国摄影家爱德华·韦斯顿用自己的作品证实了这点。他于1930年拍摄的《青椒30号》《贝壳》以及次年拍摄的《卷心菜》,在极平凡的事物中发现并表现了不同寻常的美。

在美学上，摄影视觉是一个全新的概念，人类的视觉正在发生重大的变化，那就是摄影视觉正在极大地拓展和改变着人类的视觉。

三、摄影时空

时间和空间，是事物的存在形式，因而一直是哲学与美学的中心课题之一。时空已变成摄影美的直接来源、摄影审美的重要对象。
所谓“决定性瞬间”,正是时间在摄影中的主导性、决定性地位的理论描述。时间决定摄影成败，空间只能影响视觉元素的数量变化，时间是质的规定，空间是量的表达。按照海德格尔的话语，摄影从本质上讲，可以称为“当前的艺术”。摄影正好具有切割，剥离、再现时间片断的功能，所以摄影才可能具有“真”的性质。

到目前为止，摄影在审美意义上对时间的控制可以达到以下效果：

时间切割：这是摄影最基本的功能，它是由曝光时间的限度自然形成的。

时间再现：这是常速曝光的美学效果。人眼审视幅面适中的照片，大体经历0。5秒到2秒的时间，如果曝光时间与此大体相同，即在1/60秒到1秒之间，那么,人眼看到的照片影像，与现场实际观看的视觉形象是一致的。也就是说，任何时候，观看这样一幅照片，都等于照片曝光那个瞬间的时间效果重新出现。这种时间再现基于摄影时间、现场时间与人的视觉接受时间三者的重合。这是摄影具有“写真”,“纪实”功能的最终依据。

时间压缩：这是指摄影长时间曝光所形成的视觉时间效果。照相的时间压缩效果，经常产生很强的审美效果。照相时间压缩不单单有时间效果，还常常伴随完全新颖,出乎意料的平面造型即空间效果。

时间展延：这是指极短时间曝光所形成的视觉时间效果。它的原理与时间压缩是基本相同的。限于生理条件，人眼却无法分辨极短时段的视觉变化。这种时间展延的景象自然是完全新颖、非常独特，其美感也往往是非常强烈的。

四、摄影审美

摄影审美，即在摄影拍摄与欣赏的实践中，对美的观照判断，以及由此而来的对美的享受。

摄影审美必须是即时即有，即有即做的。不仅仅是抓拍事件现场如此，甚至拍摄大自然，人物肖像等等也都要受到瞬间变化的光线、人物情绪变换等因素的制约。拍摄者在摄影视觉提供的瞬间形象面前，经过自我意识的选择，立即完成拍摄动作。对美的判断与艺术创作几乎同时产生，同时完成。拍摄者审美反应的机敏程度往往决定摄影的成败。维吉的《梦露的飞吻》正是这种临场高度机敏审美反应的结果。这些作品的诞生全靠的是拍摄者审美反应的机敏性。

摄影审美另一个特点是审美判断的开放性。摄影视觉常常会因摄影器材，材料的变革，给人们提供崭新的视阈。由于摄影机能够达到人不可能达到的新视点，也会展示出异乎寻常的视觉形象来。对于这些视觉形象的接受和整理，无疑是人类的审美活动的拓宽。

摄影审美除了反应机敏性、接受开放性之外，还有一个重要的特点就是感应的多向性。摄影作品即照片必然大量保存直接来自客体的信息，这些信息可能是拍摄者未加注意或不屑加以深思的。这些信息的存在无疑是更多地保留了现实原型的复杂性与丰富性，同时也就更多地保留了现场的非确定性，而这些正好就是摄影审美多向性的客观依据。

摄影信息的原初性和丰富性，具有强烈的审美意义。我们常常碰到这样的事实，同样一幅照片，未经剪裁或未经放大时，平淡无奇。但一经剪裁并放大到恰当尺寸，却从中发现了惊人的美。这说明摄影的美，需要再发现，再创造，而且它也确实有这种潜力。

鉴赏才是艺术品的最终完成。真正的艺术品最突出的品质，就是具有无限的审美潜力，它能够经得起不同时代、不同地区，不同民族、不同文化圈的人们的鉴赏，能激发千差万别的美感。鉴赏乃是对作品的延续创作。作品一旦完成，脱离自己的“亲生父母”作者之后，就更多地依赖“再生父母”即广大鉴赏者来保持活力了。由于摄影本身具有直接形象性和信息丰富性，摄影鉴赏中的审美相对地讲是更积极、更主动、更富有创造性的。

在摄影审美的感应程度上，人们也会出现很大的差别。对于同一幅照片，人们可以采取随意审美、玩味审美、投入审美、高峰审美四种态度。

随意审美是指鉴赏者对照片采取非关注的随意态度，此时也有美与不美的模糊感受，但不那么强烈，清晰。相当多的人，在相当多的场合，对照片都是取这种审美心态的。这是摄影作品常常被人忽视的一个重要原因。

玩味审美是指一种不切身的精细审美。玩味审美对于照片来说已是一种值得庆幸的态度，因为玩索需要了解照片的创作情况、现场背景，研究照片的技术与艺术手法。但是玩味审美处于冷漠审视的心态，对于真正气魄宏大，情感深沉、震撼心灵的摄影杰作，会显得难以应付。这是一部分人对摄影杰作缺乏深刻感应的原因。

投入审美是指人与照片形象融会贯通，审美主体明显地产生情感投入。在这种心态下鉴赏作品，会由照片形象的激发浮想联翩，用创造性的联想极大地丰富作品本身。投入审美是双向的，仅有审美主体的愿望不行，还必须有摄影作品的艺术感召力。投入审美往往是真正理解摄影作品的钥匙。

高峰审美是摄影审美的极致。著名心理学家马斯洛认为“高峰体验”是一种客观存在的心理现象，是一种感受的巅峰状态。摄影审美体验也不例外地存在这种高峰状态。此时，人与照片提供的境界水乳交融，审美主体完全进入艺术境界中，在情感上如醉如痴，在理解上豁然贯通。对于摄影者来说，创作伟大作品时，往往陷入这种状态。对于鉴赏者来说，对杰出作品发生独到深刻的解悟时，也往往导致这种状态。

五、摄影艺术

“摄影艺术”更多地强调作为一种实践活动的摄影的美学属性，而“艺术摄影”更多地指专以审美为目的的摄影门类。

摄影艺术依产生时代，属于现代艺术；依创作目的，介于自由艺术与应用艺术之间；依时空形式，属空间艺术的二维艺术；依作品存在方式，属造型艺术；依展开方式，属静止艺术；依诉诸感官，属视觉艺术；依与现实关系，属事物性艺术。

如果用一句精练的话来概括，摄影艺术是一种“以光为创作手段、以视觉审美为目的的现代平面静止造型艺术”。

第三章，摄影技术美

技术与技术美

在西方文明早期，技术的概念涵盖很广，甚至包括艺术，从亚里士多德开始抬高艺术地位后，艺术和技术渐渐分化。
在中国古代的美学思想中，技术与艺术是基本不分的，是相互包容的。到了近现代也未有很大改变，这正是中国工艺美术能够恒久不衰、成就辉煌的内在原因。

从现代美学意义上讲，技术与艺术是两个相互独立又有相当部分相互交融的文化领域。

技术美就是在技术运用过程中及技术成果中所展示、所凝结的美。
技术美的发展经历了四个阶段：

生存技术美阶段：这是人类审美能力的发端，也是最早的技术美形态，当人类狩猎。捕鱼、采集，筑穴这些活动现场过去之后，那些强烈的兴奋与愉悦促使人类通过场面模仿、动作模拟及对活动成果物品的展示来重温那种难以忘怀的美感。于是便形成对技术和技术成果的审美习惯。人类之所以佩戴如兽角、兽齿、海贝壳等，正是这种生存技术审美的体现。

手工技术美阶段：随着人类社会分工的复杂与稳固，各种制造活动逐步发展。逐渐形成了各自不同的手工技艺系统。这些手工技艺以师徒相传方式恒久流传，且精妙有效，手工制造产品已逐步脱离纯实用目的，转而成为人们审美的重要对象。如陶瓷业、纺织业、刺绣业，珠宝业，乃至制酒业，铁器业、金银业、饮食业等，都以世代相传的手工技艺为其核心与命脉。人们不仅视这种技艺为谋生手段，也视其为观赏和审美的对象。至于制成品则更为人们广为珍视。对手工技术的审美习惯横向扩展到一切包含精巧手法的活动，如医术、武术，杂技等，纵深一直绵亘到今日，可谓历久不衰。

工艺技术美阶段：17世纪以后，科学与技术相互结合，逐步形成以科学体系为依托。以机械工具为手段、以系统性和效能性为标志、以技术程序和技术规范为核心的工艺技术。工艺技术不同于生存技术和手工技术，它的特点是不再完全依赖人自身，而是依靠系统工艺和配套机械工具，工艺技术的超乎想象的高效能、高素质，毫无疑问也会给人带来极大的兴奋与愉悦，同样会产生美。这种工艺技术的审美，不再将审美感受的重点集中于个别人的现场技能，而集中于整个工艺系统的效能和工艺产品的各种技术素质上面。

信息技术美阶段：20世纪末期，技术由工艺技术为主发展为信息技术为主。信息技术特点是高度智能化，由信息技术改善了的工艺技术，变得更加“人性化”和“隐形化”。人类能够在保护自己的生存环境、维护自己的人性尊严基础上，运用科学技术实现现实目的，当然更会给人带来新的兴奋与愉悦。信息技术美获得普遍认可和极大繁盛，是由于它更适合于人的本质力量的要求，也更适合人性的特点。

任何一种技术美一旦产生，就会变成人类文明的固有组成部分，它可能在此后发展中由主流变成支流，由显性变为隐性，但却不会完全消失。时至今日，虽然信息技术美成为技术美的主流，但人类对生存技术美、手工技术美、工艺技术美仍然保留着浓厚的审美兴趣，并在原有的基础上发展出更加完善，丰富的审美体系。这正是人类文明能够持续发展、日益丰富的原因之一。

从现代美学观念上看，技术美具有普遍性，目的性、功能性和结构性。
技术美的普遍性，凡是人类实践活动的具体过程和具体成果，都可以发现技术美。
技术美的目的性，是指这种美受功利目的直接制约。
技术美的功能性，是指这种美附着于某种具体的实用功能上。
技术美的结构性，是指技术美要求自己构成的各种要素要按一定的秩序和规律，结构严谨地充分发挥其作用。

摄影是由一套严整的现代技术组成的体系，它具有明确的技术程序和技术规范，并需要现场实现一系列技术操作，最终成果必须经受一整套严格的技术检测，因而，它的技术合乎工艺技术和信息技术的要求。从这个意义上讲，摄影必然具有技术美，而且是一种现代工艺技术美、信息技术美。

摄影技术是一个庞大、复杂的体系，但若以技术的功能属性来看，基本上可以分成两大类，即造影技术和造型技术。

造影技术美

造影技术是指对底片、照片银影或染料生成及其素质的控制技术，主要包括密度、反差，颗粒性，分辨率、色彩还原等技术。

造型技术美

造型技术是指对照相形象素质的控制技术，主要包括用光，曝光、景深，视角，影调，构图、特技等技术。

第四章，摄影形式美（上）

第一节，形式与形式美

一、形式

形式从哲学或美学意义上是因本原和内容而存在的。内容决定形式，形式依赖内容；形式影响内容，形式也发展内容，这是基本规律。

摄影内容，既包括被摄体也包括拍摄者技术操作和主观追求。摄影形式，既包括被摄体自身的组织形式、结构形式，也包括拍摄技术程序、效果和照片画面构成。总的来说，摄影技术决定影像是否能够存在，而摄影形式决定影像如何存在。从审美角度来看，摄影技术从影像素质方面创造美感，而摄影形式从表现形象方面创造美感

二、形式美

形式美，是指由形式自身或形式的构成方式所引起的美。形式，既是内容的存在方式，又是事物或作品各要素之间特定的结合关系。前者常被称为“哲学形式”或“感觉形式”;后者被称为“美学形式”。在“美学形式”中，如果要素之间的结合关系服从于一般规律，叫做“自然形式”;而要素之间的结合主要服从于个性规律，称为“风格形式”。

形式美，既包括感觉形式美，也包括自然形式美和风格形式美。人类由于长期的认识实践和审美实践，已经很容易发现对象的外在形式特征，这种特征既是事物的客观存在形式，同时也是人们认识事物的途径和门户。如果这种特征具有一定的鲜明性、规律性，就会使我们感到美。这种美就是感觉形式美。在复制自然的艺术活动中，如果作品很好地表现了事物内容和形式基本要素的固有结合关系，我们会感觉到作品优美地体现了自然，这种美属于自然形式美。如果作品采用了对象的某些固有结合方式，但主要是使各要素按个性方式组织在一起，我们会发现作品具有独特的个性风格，这种美就属于风格形式美。

摄影创作是一种独特的认识活动，它直接对客观实体进行分割和再现，摄影视觉是一种“瞬间视觉”，客观事物的视觉可见形式就是摄影的感觉形式，客观事物在视觉上表现出的空间形式(点、线、面、体)，表面形式(平、曲、糙、滑)，色彩形式(单。复、鲜、杂)，光线形式(明、暗、柔、锐)等，也就是摄影感觉形式的基本方式。这些形式的美感大量存在并令人非常感兴趣。

摄影也是一种创造活动。如果摄影能够将这些若隐若现的结合形式集中、鲜明地表现出来，也就是表现了自然形式美。
摄影家按照自己对世界的整体理解，去发掘每一个拍摄对象的感觉要素，形式要素，然后用自己的理解方式加以重组。这样产生的作品所传达的创造性美感，就是风格形式美。

摄影形式美，是摄影审美活动达到一定程度的产物。任何的审美活动都会经历“无形式”、“形式感”、“形式美”三个阶段。

无形式，是人类审美活动的最原始阶段。在这一阶段中人们只专注于事物的本质内容的美。在摄影或观赏中没有摄影意识，仅仅沉醉人物或风景之美，这是原始审美观的表现。

形式感，是人类审美活动的重大进展。此时，人们在认识活动中，已经能够把形式因素从事物整体上剥离下来，单独加以分析。但这只是从功利角度来看待形式，没有从审美上去看待形式。在摄影创作上，一般性的构图原则、用光原则，取景原则，都是形式规律的体现，但这种形式，却只能满足一般性实用摄影的需求，没有真正进入创造性阶段。

形式美，是在形式感的基础上，以创造性认识和活动达成的美感。它是人类审美活动进入高级阶段的标志之一。此时，形式不是隐性存在，也不是纯为表现而存在，它已经成为艺术创造与鉴赏的目标之一。它不仅表现内容，甚至可以创造内容。在这一阶段，形式与内容的一定程度的分离，不仅是自然的，而且是必要的。新形式常常比新内容提前成熟。因此，形式美的探索往往是全新观念与全新内容的先声。

摄影形式美带有强烈的现实气息，它直接来源于客观世界。这决定了摄影形式美必然是新鲜的、丰富的、不断发展的。同时，摄影形式美又不单单是光、色、影的美，更包含审美主体对被摄客体的形式因素的发掘、认识和表现，这又决定了摄影形式美必然是多姿多彩、富于个性特征的。

具体地讲，在摄影所引发的各种各类形式美中，属于感觉形式美的有由构成影像的物质形式所引发的“物质形式美”和由被摄对象固有本质存在形式所引发的“内容形式美”。物质形式美包括黑白美，色彩美、影调美，线条美，形体美；内容形式美包括瞬间美，动感美，力感美、量感美、质感美，空间感美。属于美学形式美的有服从一般规律的自然形式美和服从个性规律的风格形式美。自然形式美包括和谐美、对比美、均衡美、节奏美、韵律美。风格形式美种类较多，比较为人熟知的有纪实美、写意美、真切美，幻化美，简朴美、含蓄美、朦胧美、象征美、抽象美等。

第二节，摄影物质形式美

一、黑白美

黑白美，是指直接由构成照相影像的单纯黑白物质所引发的视觉形式美。给人一种单纯和明快的美感。这使黑白世界变得非常富有魅力，它将复杂的世界简单化，也秩序化了。黑白是“统一”,灰调是“变化”,而“寓齐一于变化”正是一切美感共有的特点。黑白照片的光感是非常动人心弦的。由于黑白摄影对色的弃，光感便显得更突出、更引人注目了。

二、色彩美

色彩美，是指由构成照相影像的彩色物质的自身特征或组织方式所引发的视觉形式美。色彩美的心理效应很复杂主要表现为亲和感、动态感.冷暖感、情绪感。

三、影调美

影调美，是指由照相影像黑白或彩色浓淡变化的层级性质所引发的视觉形式美.这是摄影所特有的一种感觉形式美。可以说摄影就是“光线的音乐”。
摄影的调性是丰富多彩的，归纳起来，有全调，高低调软硬调三大类。

全调，是指未经压缩的黑白正常影调照片，或各种彩色均衡分布的彩色照片。
高调，即画面平均密度低，白色区域占绝大部分，由强曝光、柔性显影和避免阴影的构图共同形成的。
低调，与高调相反，是指画面平均密度高，黑色区域占绝大部分。它是由弱曝光、硬性显影和有意避免大面积照明形成的。
硬调，是反差大，银影层次少的调性。
软调，是指以丰富的中间灰为主的调式。

四、线条美

线条美，是指由影像构成的物质呈线条状排列所直接引发的视觉形式美。

美国美学家乔治·桑塔耶纳说：“线条的魅力显然在于它各部分之间的关系；要了解这种空间关系的兴味，我们就必须探讨这些关系。”摄影线条，不是凭空而来，它们都是被摄体结构和光线相互作用的结果。摄影上每一条鲜明的线条，都是一次光明与黑暗较量的结果，都有说不尽的故事和“兴味”。

摄影线条从构成上大体可以分成单纯线条，组合线条两大类，单纯线条是组合线条的基础。
单纯线条是指由物体形态结构或光线明暗界线构成的单一线条。从形态上分有直线、曲线，虚线，从方位上分有竖线、横线、斜线，从性质上分有静线、动线、流线，从延展上分有长线、短线、粗线、细线、渐开线、渐缩线等等。

五、形体美

形体美，是指由被摄体形状或照片画面呈现出的形状所引起的视觉形式美。摄影的根本功能就是在照片平面上反映物体的空间形态。但是，并不是所有的形体都会引起美感，形体美对于摄影，是一种真正的追求与创造。

纯粹的形体美来源于形体的独立性、完整性、连贯性和稳定性。人体摄影，是摄影形体美的最高表现。人体天然具备形体美的一切要求。

第三节，摄影内容形式美

摄影内容形式美，是指由摄影记录的内容本身所显现的外观形态所带来的视觉美。它也属于摄影的感觉形式。包括瞬间美，动感美，力感美、量感美、质感美，空间感美。

一、瞬间美

瞬间美，是指由摄影瞬间曝光效应导致的影像瞬间形态凝固所带来的形式美。
拍摄是由时间转化为空间，观赏是由空间恢复到时间。假如这种时空转换是自然的，我们就会有一种时间上的“身入其时”与空间上的“身入其境”，有了这种感觉，就为摄影瞬间美创造了最佳的条件。当摄影者用照相机捕捉了事物最典型的瞬间，这一瞬间就会从原有的时间序列中脱离出来，视觉印象就会在空间中凝结，此刻时间停滞，感觉找到了最后的归宿，这也就是“永恒”。瞬间与永恒的同一是摄影美的最高境界。

瞬间美包括瞬间动态美，瞬间势态美，瞬间情态美。根据瞬间在事物发展中的阶段，我们还可以将瞬间美分成发生瞬间美、转化瞬间美和高峰瞬间美。

二、动感美

动感美，是指由被摄体运动形态或拍摄技术控制导致的运动效果所带来的形式美。它可能更多地来自被摄对象，也可能更多地来自视觉心理，前者称为直接动感美，后者则称为心理动感美。
直接动感美的心理提示，主要靠画面的虚实，动静对比效应来实现。通过这种对比关系，人们可以迅速感受到运动的速度，直接把握运动的特质。
照片的心理动感美，是纯粹依赖人的视觉心理造成的虚假运动感受。它是人利用人类视觉经验积淀中的一些惯性而故意造成的一种艺术错觉。

三、力感美

力感美，是指由被摄对象各部分或影像各要素之间相对紧张关系所引起的形式张力带来的形式美。

四、量感美

量感美，是指由被摄体或影像要素直接导致重量感受的形式美。“量感”的含义可以是面积、体积、容积、个体数量等。
人类自孕育在母腹始，就受到地心引力的束缚，出生之后，在婴床上的翻动、在地板上的爬行和在野外的蹒跚学步，本质上都是在与地心引力进行争斗。这在人的深层意识中，留下了不可磨灭的印象。从古至今，人类一直在梦想能够像鸟儿一样摆脱重量束缚，自由自在地飞翔。在日常环境中，自由飘飞仍是梦幻，假如照片能创造出一种真实的失重感，自然会令人感到神奇，神秘、新颖。正是这一点，启发了许多摄影家在努力追求这种梦幻的真实。

五、质感美

质感美，是指由被摄体质料的内部或外表以及影像画面外部形态导致的质地感所引起的形式美。摄影质感，也就是利用视觉因素来获取表面或质地的触觉感受。从这个意义上讲，质感可以称得上是摄影的“触觉”。只不过照相机不是用手，而是用光线去“抚摸”一切被摄物体。

六、空间感美

空间感美，是指由照片画面形式构成直接带来空间感受所引起的形式美。

在摄影艺术创作中，打碎照片平面这一“牢笼”,使被锁固于照片中的形象在人的心灵中重新获得“生存空间”,进而重新获得生命。

在照片上反映空间的第一个办法是控制与调整“景场”,即是拍摄和照片制作时，影像所记录的景物对应的空间状况。在技术上，可以分成远景、全景、中景.近景、特写五个空间容量梯次。

在照片上反映空间的第二个办法是控制与调整照片画面的透视关系。

空间本身应当具有一种“无限”与“永恒”的倾向，摄影家们对此的体验和表现，往往决定照片的空间感是否存在和是否有韵味。

西方的绘画透视学所建构的平面只许站在其前面观察，而中国画的多重透视是允许甚至必须由观赏者游移其中。前者的“空间”,只是“视觉空间”而后者的空间，则是“生存空间”。空间感本身就是生命与宇宙统一的美感。

第五章，摄影形式美（下）

第一节，摄影自然形式美

摄影自然形式美主要包括和谐美，对比美，均衡美，节奏美，韵律美。

一、和谐美

和谐美，是指由摄影画面所有元素在变化中显示出一致性所导致的形式美。

东西方的美学理论都承认“差异”是和谐的基础，但东方强调异中的“同”,西方则重视同中的“异”这与东方伦理重视“群体”,而西方伦理崇尚“个体”是相一致的。

摄影的和谐美，从层次上分，包括内容的和谐、形式的和谐，以及内容与形式之间的和谐。

内容的和谐，是指被摄体之间在本质上的内在统一。这种内在统一性能够使它们成为一个整体即照片场面。缺少内容的和谐，照片就难以成为一个有内涵的艺术作品。

内容与形式之间的和谐，指内容与形式的配合是自然匹配的。在摄影上，内容选择形式，形式也同样选择内容。一个有造诣的摄影家不仅要学会选择拍摄对象，更要学会选择表现形式、拍摄手法，从而使照片达到完美和谐的境地。

摄影形式的和谐，是人们最容易看到和感受到的和谐美。主要有明暗和谐、色彩和谐、体量和谐、方位和谐等。

明暗和谐，指照片画面明暗、黑白强度相互呼应，分配协调。无论高调、低调、中间调，都有恰当的调节、变化和控制。明暗和谐主要有三个基本原则，第一，明亮部分要有控制；第二，黑暗部分要有变化；第三，中灰部分比例不宜过大。

色彩和谐，包括色觉平衡、色彩匹配与色块分布。如在墨绿与嫩绿的交杂中，如果有少量红色加以调节，画面就会变得生动、明快，所谓“万绿丛中一点红”正是这个意思。

体量和谐，指照片内形体、数量关系的协调。凡属大小长短、高低.深浅、厚薄、方圆、凸凹，轻重等，相互组合时符合一定比例关系，有内在秩序，就会显得和谐悦目。比如长短分割符合黄金分割律会比较和谐等等

方位和谐，是指物体空间位置、走向的内部秩序。如线条的平行，交会，位置的周期性反复，等等。

摄影上的非和谐美，一般表现在情调割裂，形体肢离，色彩斑驳，大小参差等方面。非和谐美，不强调一般性的差异.以及差异造成的对立，也不强调同一或统一，而强调脱逸性，独立性、非连续性，它的美在于秩序的破坏、节律的丧失、整体的崩溃，从而造成的那种强烈的解放感、超越感。可见，非和谐也是一种美感范畴，也有自己的审美价值。

二、对比美

对比美，是指由照相画面主要元素之间对立比照关系产生的形式美。

美感乃是一种美的快感，这种快感往往来源于比较选择之后的满足感。从审美知觉上来看，对比能够降低人的感知阀域，拓宽审美领域，可以使单独看来缺少美感的对象，在对比之中显出一种相互依存的共有美。

三、均衡美

均衡美，是指由照相画面各要素体量平衡关系所引发的形式美。均衡美，是一种美的停顿，美的停留，美的止息。
自20世纪初以来，现代艺术思潮不断地冲击均衡美的统治地位。“不均衡”作为一种审美规范也渐渐被人们认可。“不均衡”也可以导致美感，

四、节奏美

节奏美，是指由照相画面各个组成元素之间排列的间隔秩序所产生的形式美。广义地说，自然现象，社会生活，生理活动，心理活动都有内在的节奏。

“节奏”简单地说就是“间隔的秩序”。构成节奏的事物须具备三个特征，即展开性、间歇性、复归性，展开性，指事物要在空间或时间上广延分布；间歇性，指事物的广延分布不能呈平稳连续状态；复归性，指事物在间隔分布上要体现出某种一致，亦即共同的秩序。

节奏的造型能力主要是通过形体、线条、色彩的间隔性变化，改善被摄体本身固有的生硬，僵直，冷漠等缺陷，使形象变得更完美。

五、韵律美

韵律美，是指由照相画面各个组成元素分布的回旋展开所产生的形式美。如果说，“回旋”是韵律的基础，那么“展开”就是韵律的生命。

利用韵律感来表现情感，其层次是高于直接传达被摄人物情感，甚至高于利用光线、影调等初级形式的手法的。能够在被摄对象中发现潜在的韵律美，需要比较高的艺术修养。而用摄影方式物化这种潜在韵律，更需要精湛的摄影技艺。能够细致入微、出神入化地领会和表现韵律的情感内涵就属于真正的艺术创造了。

韵律中的情感特征，回旋上升趋向于紧张激昂回旋下降并逐渐展开趋向于缓和舒展；起伏幅度大，间隔远的趋向于宽松优美，起伏小、频度高趋向于激烈躁动。在起伏的基调上略有回旋，其韵味会更加隽永，更为愉悦、恬静。

第二节，摄影风格形式美

由创作者个性追求产生的形式美被称为摄影风格形式美。经过历史和人们审美实践的汰选，为人熟知的有纪实美、写意美、真切美，幻化美，简朴美、含蓄美、朦胧美、象征美、抽象美等。

一、纪实美

纪实美，是指由拍摄的完全纪实手法所带来的风格形式美。纪实摄影的美，主要来自于对于现实的不回避态度和不干预原则。

许多“纪实”作品，偏重于超越和反思而不是真实与忠诚，这种追求当然也是一种审美追求，也会创造出有价值有美感的作品，但是它们与本来意义上的“纪实”是不完全相同的。

二、写意美

写意美，是指拍摄者有意识在照相画面中体现个人性灵所产生的风格形式美。

“写意”是有象有意，有实体有性灵，而力求达到实体与性灵的完全融和，亦即所谓“物我交融”境地。正是这种“天人合一”.“物我交融”精神，使它与西方以对自然的压迫为基础的主观主义的艺术有根本的区别。

写意美不能离开客观物象的简化和凝练。还要求一定程度的虚松。

写意美，最终突出的是性灵美。所谓性灵亦即人性，心灵之美。“写意”的情感只能是一种主客观交融的超然的情感，是一种经过沉淀变得清澈，又经过过滤变得单一的纯净情感。其中情感的驱动性已经完全消失，而只剩美感存在了。

三、简朴美

简朴美，是指照相画面力求简明，朴素所产生的风格形式美。

庄周在其《天道》篇中曾说：“朴素而天下莫能与之争美。”将“朴素美”列为美的至高境界。郑板桥的名句“删繁就简三秋树，领异标新二月花”,成了简朴美和稚拙美的最权威诠释。

摄影上的简朴美，包含即朴素美和简约美。朴素美的目标是“自然”,核心是“天然去雕饰”。简约美的目标是“单纯”。简约，要求删除繁冗，明确主体。

与简朴美相对的繁华美，在艺术中也有其价值。繁复是与简约相对照的，华丽是与朴素相对照的。作为表现风格的繁华美，在摄影上是完全应得到公正对待的。

四、含蓄美

含蓄美，是指拍摄者对被摄体及个人创作意图采取间接的表达方式所形成的风格形式美。

含蓄在影像的形象和意象之间创造了足够的艺术空间让人能充分体味.咀嚼、思考、观照形象，使人的想象.情感、智慧得到充分抒发，由此产生一种思绪深微、寄托遥远的美感体验。

摄影含蓄美的表现一般可分为“含有深意，藏而不露”和“委婉曲折，微言大旨”两类。前者在手法上偏重于“藏”,可称为“包藏式含蓄”:而后者偏重于“曲”,可称为“曲折式含蓄”。所谓“藏”,即由浅入深.以浅层表现形象，隐含深层意象。所谓“曲”,即是由侧及主，迂回暗示。

徐小丹的作品《模范丈夫》具有曲折式含蓄美。照片内容简单到了极点，只是晾在竹竿上的两件羊毛衫，红色的是女式，款式新潮，完全簇新；黄色的是男式，陈旧褪色，布满破洞。

含蓄性的摄影作品，在手法上是“包藏式含蓄”和“曲折式含蓄”。而在“含有的内容上又可分为“隐象式含蓄”、“隐情式含蓄”、“隐趣式含蓄”和“隐意式含蓄”。

隐趣式含蓄，是用表面冷漠的影像，表现一种独特情趣。这是含蓄加轻松幽默而构成的一种表现形式。上面提到的《模范丈夫》是很好的范例。

隐意式含蓄，也是极常见的含蓄方式。它以表面形象，隐含一种观念，思想。丹·琼斯的《婚礼的继续》就采用了隐意含蓄的方式。

五、真切美

真切美，是指由于采取逼近或拉近拍摄而使照相画面产生的风格形式美。

“真切”,在影像上要求直接、清晰，完整：在内容上要求“情真”、意切”。要达到“真切美”,首先必须纪实，还必须有某种突破，使观赏者“参与”到照片的生活中去，切身体验照片人物的喜怒哀乐，才会产生真切感人的情感，这样的照片才真正具有真切美，

摄影真切美是丰富复杂的，大体上说，它主要取决于三个要素：逼真，细腻，亲切。

逼真要求摄影师了解和理解被摄对象，熟悉他们，最后抓住他们的“真人”时机拍摄。真人也就是人性裸露的瞬间，没有思想的躯壳、情感的封套、人格的壁垒。
细腻是指照片充分表现生活中的细节，包括情感的细微波动，环境的细小变化，人体的细致形态等。
亲切就是双方距离感的消失。而双方距离感的消失，只能经由参与而不干预这一途径。摄影者不能仅做“闯入者”,观赏者也不能仅做“旁观者”。被摄者“正当防卫”心理的消失，要靠摄影家多次接触，反复诱导，耐心的等待，直到被摄者从心理接受你的“侵入”为止。而观赏者面对一幅具有亲切感的照片，也会直接开放自己的心灵，从而沟通照片内外的精神世界。

六、朦胧美

朦胧美，是指由照相画面呈现的清晰度整体降低所产生的风格形式美。在形态上可以分成“意向朦胧”和“形象朦胧”两种。

意向朦胧，是指观念性的朦胧。这种照片的思想倾向和观念形态，处于一种虚无混沌状态，画面则表现为迷离恍惚，若明若暗。朦胧是高层宏观的感知，是感受复杂化的产物，决不是真正无知的产物。

形象朦胧，是指创作意向比较明确，而照片形象具有相当程度的模糊性。这种方式的朦胧，主要是为了给观赏者以品味的余地，使观赏者的性灵得以自由舒展，从而达到主客双方交融的境地。照片形象的朦胧化，大体是由“虚”、“淡”.“柔”、“远”四种情态形成的。从感觉上讲，虚是一种空的感觉，淡是一种轻的感受，而柔是一种软的感觉。

七、幻化美

幻化美，是指照相画面将被摄对象形象异化而产生的风格形式美。具有“似真似幻”、“亦真亦幻”的独特效果。以幻觉为特征的摄影，在效果上主要有两种，即超视觉幻象和超现实幻象。前者偏重于感觉的夸张，而后者偏重于潜意识的表现。

超视觉形象的美，在“似真似幻”的境界里，“真”的比例还比较大，“幻”的比例比较小，是带有幻觉色彩的现实反照。如超微距摄影作品。

弗洛伊德主张“观念的变为幻觉，并不是梦，不同于清醒生活中的相应思想的唯一方面，梦还用这些形象构成一种情境，表现出一件正在发生的事情”(《释梦》)。弗氏的这一主张成为超现实艺术共同遵循的规则。实际上，在超现实艺术中，具体形象只是梦境材料，而那梦的“情境”才是真正追求的目标。代表摄影家有马克宾，帕尔汗，埃米斯吞、卡逊等人

八、象征美

象征美，是指将直接被摄体作为另一目标物的象征而产生的风格形式美。常见的表现方式则主要有整体象征，层次象征和因素象征。

整体象征，是指照片的全部形象都作为一种象征的材料而象征的对象，要靠人的创造性感受去把握。

层次象征，是指照片部分细节、一定层次内容具有象征意义。

因素象征，是指形式因素的象征作用。这种象征一般是摄影创作的辅助手法，在照片上起到一定的修饰，衬映作用。照片上的色彩、光线、线条，形体等均可以赋有象征意义。

九、抽象美

抽象美，是指照相画面的非具象表现所引发的风格形式美。它有两个基本类型，即不完全抽象美和完全抽象美。

不完全抽象美，指那些以抽象表现为基本形式，但照片上仍保留了原初物影若干本质特色的摄影形式美。

完全抽象美，是指照片彻底摒弃原初物像，仅仅由光、色线，形相互组合而产生的美感。在审美上，它具有视觉可容性和耐久性，和现代艺术气息融合完美。

目前，摄影上常见的抽象手法，主要有超视角，超曝光、超虚焦以及利用特殊镜头，暗房特技，数码技术产生变形、变色抽象等。

第六章，摄影内涵美

第一节，内涵与内涵美

在摄影中，摄影内涵一般指的是超越客体对象的属人的价值因素。
内容美，有时也称内涵美，是由内容引发的本质美。
摄影内涵美，仅指摄影内容美中那些属人的价值因素。主要是指在摄影中各种心理因素所产生的美。这里只将最常见的三种类别加以研究。第一类是摄影意识美，包括意识美、意念美、意象美意境美；第二类是摄影知性美，包括直觉美、通感美、联想美，想象美和理性美；第三类是摄影情感美，包括情绪美，情感美、情调美、情趣美。

第二节，摄影意识美

摄影意识美，也可以称之为摄影观念美，它是指由拍摄者或被摄者在照片画面中呈现的意识内容引发的美。

一、意识美

意识美，是指由照相画面流露的创作意识所形成的内涵美。它通常表现为明意识美、潜意识美和情结美。

明意识美是指由直接明确的创作意识指导并在照相画面上有直接显现的意识美，有时也直称为意识美，或者称为主旨美、主题美。
鲜明而有震撼力的主题意识是一幅照片具有雄辩力和号召力的原因之一，许多在摄影史上具有不可替代价值的作品，正是得益于创作意识或者表现意识的成功显示。

潜意识美，是指由引导拍摄或引导被摄体行为的潜意识引发的内涵美。

摄影是释放潜意识的一种直观艺术形式。人类的艺术创作是人自身的一种解放和升华。“偏爱”的本质是潜意识的上升和演化。每一个摄影家通过潜意识进行艺术创作，无需向任何人解释，只要自己喜欢就好。

情结美是指由照片画面表露出的某种“情结”所引发的内涵美。有的摄影师通过作品会表现如“背乡情结”，恋母憎父的“俄狄浦斯情结”，“自残情结”等等。

当然也有许多照片，人们无法直接说出它的内容，甚至照片摄自何处，用什么方法摄制也不易弄清，但这并不影响作品的美感。

二、意念美

意念美，是指由照相画面所体现的创作意念或由照相画面引发的欣赏意念所导致的内涵美。

意念处于潜意识与意识的交界线上，即本人有所察觉却无法不受其支配。在审美方面，意念对人生理和心理活动的调节作用会改变审美主体的感觉和认知状态，激发或抑制人对某种美的呼应能力。一个摄影者在特殊的场合，会由于某种强烈意念的支配，一下子变得头脑清明、反应快速，美感充沛，创作出一系列优秀作品。而时过境迁，再现当日的创作状态，几乎难以办到。

在人的潜能之中，有一种“超感审美能力”,即对美的直接观照和全面领悟，它超越感官，直接实现。人们不会忘记，童年时代，偶然一个早晨，当你走出房门，会一下子感到天地惊人的美，空气异常清新……在人的青春期中，这种超感审美能力会再度活化，并集中在异性审美方面。所谓“情人眼里出西施”“一见钟情”.都是超感审美的反映。在艺术创作过程中，强烈而持久的意念，会使人在一定程度上暂时恢复这种超感审美能力，从而对现实中的美，做出深刻敏锐、有效的反应。这就是摄影创作超常亢进的奥秘所在。

三、意象美

意象美，是指由照相画面蕴涵的意象所形成的内涵美。所谓“意象”,是指人的感官在接受事物表象后，经主观改造，特别是潜意识改造，在内心中形成的主观化的新表象。摄影创作要表现意象，关键的环节在于“分离”。这里所谓的“分离”主要是指在内心里将被摄对象“个体化”形成单独的意象。

四、意境美

意境美，是指由照相画面形成的特殊意境所产生的内涵美。意境，是人在审美过程中获得的一种特殊心境。意境美是一种综合性的心理体验。意境与意象都是一种主客观交融的审美体验，但意象体验的重点在于显现的“象”,而意境体验的重点在于容纳主体在内的“境”。意象以单一个体为主，意境以整体空间为主。

照片意境的形成是有条件的。照片意境一般须具备三方面的因素，即影像的涵容情绪的凝重和性灵的挥洒。
影像的涵容，指影像本身要有足够的“内空间”,能够容纳审美主体心理的投入。情绪的凝重，是意境的主体特点。有“含而不露”.“引而不发”的特点，过分的激烈和冲动，对意境凝练和表现是不利的。所谓“灵”即由审美主体内心修养所达到的智慧圆通的境界。人的性灵平时受种种琐事压抑，很难得到舒展，更极少有挥洒自如的境界。但是，在艺术中，人们可以暂时地“斩断尘缘”任情挥洒性灵。

第三节，摄影知性美

摄影知性美，有时也被称为摄影知觉美。它是指摄影中包含的认识活动所引发的美，因此，从本质上看，它是一种认识内涵美。

一、直觉美

直觉美，是在摄影创作与欣赏中由直觉引发的内涵美。直觉，是一种心理能力，它是指经过潜意识改造了的直观把握能力。生活中人们经常凭着直觉去认识事物，并做出非理性的判断。这种认识和判断虽然当时当场并没有多少客观依据，却往往被验证是正确的。因此，有时人们也把直觉称为“第六感”。直觉最大的特点是不经过思维，直接领悟事物的本质。人们常说的“有没有艺术细胞”,实际上就是指一个人艺术直觉能力如何。缺少起码的艺术直觉，是无法成为艺术家或艺术鉴赏家的。

二、通感美

通感美，是指由照相画面形象导致的通感心理所引发的内涵美。通感是一种跨感官的无意识现象。又称为“交感”、“联感”,“感觉滑移”。摄影审美一般都是从视觉出发的，视觉刺激是原始刺激，而其他不属视觉的感觉都来源于通感。如色彩的“冷暖”,是从视觉的色感向触觉的温度感滑移；节奏感.旋律感、韵律感则是由视觉向听觉滑移等等。法国著名象征主义诗人兰波曾说过，艺术通感不是天生的，它需要“长期的、巨大的、有步骤的全部感官错轨”才能逐步培养起来。

三、联想美

联想美，是指由照相画面触发联想所形成的内涵美。在心理上，联想有自由联想和控制联想两大类。摄影联想虽然总体上属于受控联想，但具体方式则各有不同，一般地分，有关系联想、接近联想、类似联想、对比联想、因果联想等。

关系联想摄影，即从被摄体与其他事物的直接关系出发展开联想的摄影表现方式。
接近联想摄影，是指借空间接近而产生联想的摄影表现方式。
类似联想摄影，是基于事物性质相似特点产生联想的摄影表现方式。
对比联想摄影，是由照片中影像与其他事物的对比.对照引起联想的摄影表现方式。
因果联想摄影，是指由照片所表现的具体事物联想到它们的原因或后果。

四、想象美

想象美，是指由照相画面形象的想象性质或由照相画面素材特征引发想象所形成的内涵美。一切摄影者，在按下快门前，如果想象不出将要拍出的照片是什么模样，那他就称不上是个成熟的摄影师；而一切照片观赏者，在看了照片之后，如果想象不出被摄现场实际情况和拍摄过程情况，那他也就称不上是个有见地的鉴赏者。

摄影活动中的想象基本上可分成两大类，即过程性想象和构思性想象。

过程性想象，包括摄影预测想象和临场想象。
摄影预测想象，主要是对拍摄现场事件发展变化趋向和结果的想象。
摄影临场想象，是指对拍摄现场情况的整体即时想象，又称“易位想象”。

构思性想象，也称为表现性想象，它是摄影创造力重要源泉之一.构思性想象是指，拍摄者不再受具体场景、对象限制，自由地构思照片内容和形式，它常常突破“摄影”的固有性质和习惯方法，产生开拓性的新鲜作品。

五、理性美

理性美，是指由照相画面所包含的智慧和理性成分所形成的内涵美。智慧与理性是认识的最高层次，摄影的理性光辉通常体现在表现人的内心世界，表现社会问题以及表现人生哲理等方面，而由此产生的美感，也就自然富有智慧的光彩。

第四节，摄影情感美

摄影情感美，有时也被称为摄影情绪美。它是指由摄影所激发.所包含的一切与人的情感相关的因素所引发的内涵美。

一、情绪美

情绪美，是指拍摄者或被摄者情绪在照相画面上所导致的内涵美。摄影的情绪表现为两个方面，一是对被摄对象情绪的表现：二是摄影家内心情绪在画面上的表现。前者比较集中于人物摄影，特别是肖像摄影，后者则在任何种类的摄影中都有渗透。

摄影表现人的情绪并产生高度的美感，要做到情绪的纯净化，情绪的升华化和情绪与情境的一体化。在摄影上，情境也就是“现场气氛”。

二、情调美

情调美，是指由照相画面整体倾向某种特定情绪所引发的内涵美。情调是经过社会文化筛选逐步定型的模式情绪。情调是社会历史环境、民族文化心理，时代精神三者相互映射、相互交融的产物。情调的形成主要依赖于人类心理活动中的“移情”机制。情调既是一种社会文化现象，也是一种精神心理现象。

在追求某种情调的同时，努力保持摄影家的个性，是颇为重要的。摄影的情调是多种多样的，经常可见的有乡土情调，异国情调，浪漫情调以及都市情调等。
浪漫情调是指人们在情感的激发中，超越了现实的束缚，体验到自己情趣和美好理想所形成的情调。

三、情趣美

情趣美，是指由照相画面形象所包含的情绪型趣味所引发的内涵美。情趣具有两重性，它一方面与兴趣、趣味有关，一方面与比较内在的情绪、情感有关。情趣是指那些与人性中美好的属性相联系，经过内心情感改造的趣味倾向。情趣基于善、基于真，基于美。情趣主要倾向轻松、愉悦，而且必须与某种具体事物或情境相联系。

时机的掌握对情趣表现极为重要。
侧面的选择，也关乎到情趣的有无和强弱。这里的“侧面”是指看待事物的特定立场、出发点、着眼点等。
突出关键的细节是捕捉生活情趣最核心的一环。

在摄影中经常出现的情趣类型，大致有天真、诙谐、幽默.滑稽等几种。这些情趣之间并没有严格的界限，只是倾向略有不同而已.

天真的情趣，是用儿童的心理来对待严肃的事物，或用成年人的心态来看待儿童世界所产生的一种自然情趣。
诙谐的情趣，是指带有调侃、玩笑意味的情趣。这种情趣的形成固然要有客观事物的某种非正常现象，同时更需要拍摄者能在意识上达到对这种现象的超越。
幽默的情趣，与诙谐情趣相近，只是事物本身并不一定有真正的缺陷或不正常，它更多的是观察者的一种特别的机智的看法。
滑稽的情趣，是指不合常规的现象或错误引起的可笑情感。广义地讲，诙谐、幽默都属滑稽范畴，但这里把滑稽单列出来，主要是为了突出被摄对象自身固有的不合常规。

四、情感美

情感美，是指由照相画面所包含的情感引发的内涵美。几千年的艺术史上，情感，既是目的又是过程，既是原因又是结果。情感的纯洁高贵，是人性的重要组成部分。成功地描述人类情感中的优秀部分，也就是达到了人性的升华。

在表现情感美方面，大体有三种不同的方式，即借助于戏剧性场面，借助于人物之间的情感交流，以及采取曲折隐晦的手法揭示内心情感。

戏剧性场面摄影，是指有强烈的情节性，或有激烈的矛盾冲突的现场摄影。
交流性场面摄影，是指在一定环境中，由人与人之间产生较深层面上的情感交流和呼应而造成的现场摄影。
暗示性场面摄影，是指借助若干细节线索，暗示或揭示某种情感特征的场面摄影。

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